Kimono-joya Autores

Alfonso Albacete

El destacado pintor y grabador perteneciente a la generación de artistas figurativos españoles de los años 70. Su obra, influida por el pop art y la abstracción americana, destaca por su gran cromatismo.

Trabajó como profesor en el Círculo de Bellas Artes de Valencia mientras estudiaba Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Madrid. Alfonso Albacete ha expuesto su obra en numerosas ciudades españolas: Cuenca, Madrid, Las Palmas de Gran Canaria, Zaragoza, Barcelona, Sevilla, Santander, Murcia, Bilbao, Valladolid y Vitoria, entre otras. Fuera de España su trabajo se ha podido ver en Washington, Bruselas, Zurich, Japón, Chile, Alemania y Nueva York. Su obra está presente en destacados museos y colecciones españolas, como el Museo Reina Sofía, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, la Fundación Telefónica, el Museo Municipal de Madrid, la Fundación AENA o el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Alfredo Alcain

(Madrid 1936)

Alfredo Alcain nace en Madrid en 1936.De 1953 a 1958 estudia en la escuela de bellas artes de San Fernando de Madrid.Posteriormente hizo estudiios de grabado y litografia en la escuela nacional de Artes graficas.De 1961 a 1964 estudia decoración cinematográfica en la escuela nacional de cinematografia,lo cual le levaría mas tarde a colaborar  en ‘’nueve cartas a Berta’’ y ‘’canciones para después de una guerra ‘’ de Basilio Martin Patiino.   En 1964 gracias a una beca de la fundación Juan March ,viaja por Italia al encuentro de los grandes maestros.En 1962 realiza en Madrid su primera exposición, a la que luego siguieron otras a lo largo de los años por Bilbao,Santander,Zaragoza…..y sobre todo Madrid,que es donde fundamentalmente a dado  a conocer su trabajo.En 1970 expone por primera vez en la galería Egam ,con la que trabajara los siguientes 40 años.Puntualmente lo hara en otras galerías de Madrid como  Estampa,Gingko,Elvira gonzalez y  tiempos modernos.Actualmente trabaja con la galería Fernando – brasso  de Madrid.                                                       En 2012 la sala Rekalde de Bilbao le realizo  una exposición retrospectiva.Su obra esta representada en diferentes instituciones: MNCARS de Madrid,Museo de Bellas artes de Bilbao,Artium de Victoria,Museo de Arte contemporáneo de Madrid, circulo de bellas artes de Madrid,etc.En 2003 le concedieron el premio Nacional de Artes plásticas y en 2010 la casa de  la moneda el premio Francisco Prieto.

Teruhiro Ando

(Kagawa, Japón, 1962)

Es un artista de origen japonés que reside en España desde 1992. Cuenta con una brillante trayectoria profesional como artista, comenzando por una licenciatura en la Universidad de Bellas Artes de Tama, Tokio, seguida de dos posgrados, uno en restauración y otro en pintura, ambos por la Academia de Bellas Artes de Ljubljana (Eslovenia).   En esta época participó en varias exposiciones colectivas en Alemania, Austria, Gran Bretaña y España. La obra de este periodo es conceptual, trabajando principalmente en instalaciones.     En 1991 es becado como artista residente por la Universidad de Edimburgo y condecorado con el primer premio a la Mejor Exposición en el Festival de Edimburgo (Escocia). En 1992, con motivo de su intervención en el Pabellón de Japón para la Expo del 92 de Sevilla, toma la decisión de establecer su residencia fija en España.    Entre 1993 y 2000, ya residiendo en España, se aleja del mundo del arte y no expone, concentrándose en buscar su propio lenguaje y un camino personal. Profundiza en el estudio del arte clásico y busca una conexión entre éste y el arte contemporáneo, de donde surge su nuevo estilo, en el que hay un rigor técnico, propio de los grandes maestros clásicos y una constante búsqueda de formas y planteamientos.   En el año 2000 retoma la actividad artística y a partir de entonces su obra pictórica cuestiona la realidad de la percepción y asombra al espectador con la ilusión óptica que produce el trampantojo.   Su larga trayectoria expositiva se inició en 1984 con una exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio. En España cabe destacar su participación en exposiciones colectivas en el IVAM de Valencia o el Círculo de Bellas Artes de Madrid.   Su obra forma parte de colecciones como la del Museo Nacional de Arte Moderno de Ljuibliana, la Biblioteca Nacional de Madrid, el Museo Municipal de Valdepeñas, el Museo CEART de Madrid y las colecciones de las Fundaciones UNED, BMW y Wellington, entre otras.   Ha obtenido numerosos premios nacionales e internacionales entre los que cabe destacar en 2001 el Primer Premio en la VI Exposición Internacional de Pintura-Alcázar de San Juan, el Premio BMW de Pintura en 2008 y, más recientemente, en 2012 el Artes Plásticas y Fotografía de Alicante, el Premio de Pintura de Focus-Abengoa 2013 y el Salón de Otoño de Madrid en el 2014.                                                                                                En 2013 fue nombrado académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo.

Alain Arias Misson

Nace en Bruselas en 1936. A los cuatro años de edad viaja con su familia a Nueva York, volviendo a Bélgica después de la Segunda Guerra Mundial a los 13 años. En Bélgica estudiará durante tres años, periodo en el cual se empapa de la cultura clásica. El resto de su educación la realiza en Estados Unidos, en Nueva Inglaterra, graduándose en la Universidad de Harvard en Literatura griega y francesa. Poco después se estableció en España en 1963, donde ayudó a crear el movimiento de la poesía experimental de España en los años sesenta junto a Joan Brossa, Ignacio Gómez de Liaño, Herminio Molero y otros. En 1967 volvió a Bélgica, donde trabajó en estrecha colaboración con el poeta concreto Paul De Vree y co-editó su revista, De Tafelronde en Amberes; también colaboró ​​con las revistas de vanguardia Phantomas y L’VII en Bruselas. En Bélgica realizó sus primeros «Public Poems», una forma de «escribir en la calle como si fuera una página». A menudo se exhiben en las galerías de vanguardia de Bélgica y en los Países Bajos, que culminó con la gran exposición de poesía concreta del Museo Stedelijk de Amsterdam (Holanda), en el 72. Durante el mismo período, trabajó en estrecha colaboración con el grupo Lotta Poetica en Italia, con decenas de exposiciones en toda Europa (Documenta), Japón y América del Sur. En 1975-76 regresó a Nueva York, durante varios años expuso en la Galería Emily Harvey y publicó varias novelas y artículos críticos sobre la literatura y las artes. En 1998 regresó a Europa, a Venecia y París, y expone regularmente en la Galería Lara Vincy en París y diversos lugares de España, Alemania, Italia y Bélgica.

Pablo Armesto

(Schaffhausen. Suiza, 1970)

Pablo Armesto  enmarca su obra dentro del contexto que va desde la abstracción geométrica hacia la escultura más contemporánea y experimental  con todo lo que eso conlleva en lo relativo al estudio del objeto en sus tres dimensiones, su relación con el espacio y la experimentación con distintos materiales, como LEDS, neones, cátodos y fibra óptica, combinados con madera y metales lacados.                             Pablo Armesto siempre está interesado por la luz como elemento plástico y material en todas sus variantes del blanco al negro, tanto la ausencia de la misma como los diversos matices que se generan. Un compromiso con las nuevas tecnologías en el que da respuestas a sus principales inquietudes para conferir significados estéticos y funcionales al contexto de la obra. Un  afán por hacer converger biología, historia, tecnología, tradición, memoria y contemporaneidad.      Desde el año 2011 forma parte de la Galería Marlborough con quien ha participado en ferias internacionales como Art Geneve y ARCO, así como numerosas exposiciones individuales y colectivas.  Algunos de sus trabajos en el campo del arte de las nuevas tecnologías multimedia e instalación, como el titulado Secuencias 24, han sido expuestos en centros como el Museo ZKM de Karlshue en Alemania (2009) y Laboral Centro de Arte Gijón (2008) a través de la exposición transnacional “Banquete, nodos y redes”, ha realizado exposiciones en centros de arte de Bruselas y Francia. Ha recibido numerosos premios y becas entre los que destacan, Punto de encuentro (Espacio Astragal, 2004), Luz interior (Galería Espacio Líquido, 2005) y Dentro, la lluvia (Museo Barjola, 2009).       Asimismo, Pablo Armesto ha participado en numerosos proyectos de arte público entre los que se encuentran “El Cabañu” en Candás (Carreño, Asturias),“Paso a paso” para los Jardines del Príncipe del Real sitio de Covadonga (Cangas de Onís, Asturias), “Sueños de papel” FIB Art, (Benicasim, Castellón 2005) o Aranda de Duero y su obra está presente en colecciones públicas y privadas como el Gobierno del Principado de Asturias, Cajastur, la Consejería de Cultura del Principado, El Corte Inglés, La Junta del Puerto de Gijón, Colección Olor Visual y Bodegas Otazu, entre otros.

 

Alberto Bañuelos

(Burgos,  1949)

Pintor y escultor autodidacta. Licenciado en CCPP y Sociología por la Universidad Complutense de Madrid. Aprende el oficio de escultor en las canteras de Carrara (Italia).                                                                                    Ha realizado más de cincuenta exposiciones individuales dentro y fuera de España. Ha participado en Ferias como ARCO, Art Miami, 12º Bienal de la Habana, Art Ginebra, III bienal de Ushuaia Patagonia (Argentina), Expo-92 (Sevilla). Lisboa-98 (Lisboa), Itinerante por Brasil, Olimpiadas 2008 (Beijing) y participado en Simposios Internacionales en numerosos países.  Su obra pública en piedra está presente en Madrid, Huesca (Valle de Hecho),  Santander, Burgos,  Fuerteventura (Canarias) León, Toledo, Madrid (Universidad Complutense), Valencia, Burgos… y fuera de España en Italia, Canadá, China, Israel, México…  También está presente en museos como el IVAM en Valencia, Museo Municipal de Madrid. Museo de la EvoluKimono.jpegción Humana (Burgos) Colección RENFE  y en numerosas colecciones privadas.

Miguel Ángel Campano

(Madrid, 1948-2018)

Cursó estudios en Arquitectura y Bellas Artes en Madrid y Valencia. En sus inicios, la pintura de Campano se caracteriza por una abstracción basada en el informalismo, pero a partir de 1973 se transforma en una pintura fluida cuyos orígenes pueden encontrarse en las abstracciones geométricas de Gerardo Rueda o Gustavo Torner. A finales de la década de los setenta se instala en París, donde su obra adquiere una modalidad gestual, abandonando las rígidas estructuras geométricas por una línea suelta que recuerda a la Escuela de Nueva York y el Expresionismo Abstracto. Su temprana participación en las importantes exposiciones como “1980” (Galería Juana Mordó, Madrid 1979) y “Madrid DF” (Museo Municipal, Madrid, 1980), le certifica entre los artistas jóvenes más significativos de cara a la nueva década. La obra de Campano, que se caracteriza por el gesto amplio, la riqueza del color, intenso y enigmático, y los grandes formatos, practicando una pintura de un gestualismo suelto que anima toda la obra. Su interés en la tradición clásica le ha llevado a hacer reinterpretaciones de los grandes maestros, creando series basadas en obras de Cézanne (para la cual viajó por la Provenza francesa y los alrededores de la montaña de Saint Victoire), Delacroix y Poussin, entre otros.                                          Premio Nacional de Artes Plásticas (1996), Campano expone desde 1969 de forma continuada tanto en exposiciones individuales como colectivas, a nivel nacional e internacionalmente. En los últimos años, dado su delicado estado de salud, Campano ha tenido una pausada trayectoria expositiva, pero disfruta de una amplia representación museística y su obra forma parte de las más prestigiosas colecciones institucionales: Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca), British Museum (Londres), Museo de Bellas Artes de Bilbao, Universidad Complutense (Madrid), MNCARS (Madrid), Banco de España (Madrid), Centro Georges Pompidou (París), Fundación Juan March (Madrid), Fundación Caja de Pensiones (Barcelona), Museo de Bellas Artes de Álava (Vitoria), Museo de Navarra, Museo Municipal (Madrid), y la Colección Caixa Galicia (A Coruña) entre otros. 

Diego Canogar

(Madrid, 1966)

Diego Canogar, escultor y grabador, nace en Madrid 1966. Licenciando por la Universidad Complutense de Madrid en 1992. Cuenta más de 20 exposiciones individuales y otras 120 colectivas nacionales e internacionales a lo largo de 22 años. Caben destacar recientes exposiciones individuales, desde 2008 presidente de la asociación Mínimo Tamaño Grande, coordinando exposiciones de escultura colectivas itinerantes en la comunidad de Madrid.

 

Rafael Canogar

(Toledo,1935)

Vivió en San Sebastián y en 1944 se trasladó a Madrid con su familia. Fue discípulo del pintor español Daniel Vázquez Díaz. Estuvo muy influenciado en sus primeros trabajos por el cubismo de Picasso y Braque y el surrealismo de Joan Miró, lo que le llevó a desembocar en la abstracción informalista.    En 1957 entró en El Paso, una asociación de artistas que tenía como miembros, entre otros, a Manuel Millares, Antonio Saura, Luis Feito, Manuel Rivera, Pablo Serrano, Juana Francés y Antonio Suárez. Un grupo artístico que “fue motor de cambios significativos en el campo de la plástica, que colocó a España, en muy poco tiempo, en un primer plano de la estética del momento”.    En el año 1960 participó en la exposición de New Spanish Painting and Sculpture del Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York. A principios de 1960 deja la corriente informalista para acercarse a la realidad. Cambia su gama cromática y regresa a la abstracción. Utilizó materiales como poliéster, acrílico, madera y fibra de vidrio. Sus figuras están despojadas de señas de identidad, por lo que es el anonimato de la masa el auténtico protagonista de su obra.                           En 1972 recibió el Premio de la Bienal de São Paulo y en 1983 el Premio Nacional de Artes Plásticas. Miembro de la Junta Directiva del Círculo de Bellas Artes de Madrid de 1983 a 1986. Miembro del Consejo Asesor de la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Cultura, 1981-1982 y 1983-1984. Vocal en el Consejo de Administración del Patrimonio Nacional de 1984 a 1987. Miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1998.

Marta Cardenas

Estudió en la Academia de San Fernando de Madrid (1963-68), y posteriormente en Paris, becada por el gobierno francés (1969). Iniciándose en el retrato pasó a los espacios abiertos y al estudio del movimiento mediante la contemplación, entre otros ejercicios, de los animales en el zoo de Madrid. Las formas y colores vividos en la India fueron otra de sus fuentes de inspiración. Su arte se mantuvo dentro de la figuración hasta los años 90.Su primera exposición se celebró en una galería de San Sebastián en 1970, y cuatro años después expuso en Durango (Vizcaya). En 1980, recibió una beca de la Fundacion  Juan March. Ya para entonces, había debutado en Madrid con una muestra individual .En los años 80, su renombre se constata con su paso por galerías y ferias de Milan, París y Lisboa. En 1986, expone en la feria ARCO, y vuelve a hacerlo en 1991.  Artista de curiosidad y afán explorador, en la década de los 90 se fecha su viraje hacia la abstraccion, si bien apegada a la naturaleza en colores y texturas. Sus intereses se dirigen a países y culturas lejanas; estudia las formas vegetales, los colores cambiantes del día, los tejidos exóticos.           La obra de Marta Cárdenas está presente en diversos museos, como museo Reina Sofia  de Madrid o el Museo de Bellas Artes de Bilbao, así como en el Palacio de la Moncloa deMadrid, la Biblioteca Nacional de España, Fundación Juan March, Colección BBK (Bilbao), Fundacion la caixa…

Charo Carrera

Nacida en Herrera de Pisuerga (Palencia); actualmente trabaja y reside en Málaga. Licenciada en Bellas artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha completado su formación artística con estudios de Delineación, Procesos Fotográficos aplicados a las técnicas gráficas, Escultura en Hierro, Serigrafía Artística y Fotograbado con fotopolímero, entre otros.            Cuenta con exposiciones individuales a nivel nacional e internacional, entre las que  cabe nombrar: Estar en otra parte en el Pósito de Vélez-Málaga, y Ancha es la vida en el Midac de Belforte del Chienti, Italia, ambas en el año 2018.         En el año 2016 trabajó La blessure–La herida, un proyecto de Land-Art en Biel-Bienne, Suiza. También presentó la instalación y performance Óleo en la aceitera en La Candelaria (Benagalbón, Málaga) 2016.       En 2015 mostró su Fénixa, la biblioteca de fuego, en el Archivo Municipal de Málaga, y Los Ophelios, una intervención en el Jardín Botánico de la misma ciudad.        En 2013 fue Sturm und Drang, en la Produzentengallerie de Passau, Alemania y el proyecto Tempest en Gallerie Vrijveld Kunst. Roermond. Holanda.     En 2012 presentó el Proyecto Fénix en la Fundación Vela Zanetti de León.    En 2011 colgó la instalación Las mensajeras solitarias en el Jardín Botánico Histórico La Concepción de Málaga.    En 2008 expuso Los desarraigados y otros seres en la Casa Fuerte Bezmiliana del Rincón de la Victoria (Málaga).     En Cuenca mostró Del amor y otras tonterías en la Caja Castilla la Mancha en 2005, así como El Ceremonial, en la Fundación Díaz Caneja en Palencia en 2003.                  Instaló de forma definitiva La Fuente Marmoleda con motivo del Encuentro de Arte de Genalguacil del año 2002.     También presentó Sables mouvants II en la Galería La Factoría del Perro Verde de Madrid, y Tengo memoria de 100 años en Caja Madrid de la misma ciudad. También expuso Proyecto  D-Mencia en el Ayuntamiento Doña Mencía de Córdoba.    En el año 2001 estrenó  Sables mouvants en la Galería Versión de Madrid, y en 1999 mostró La vie revée del Anges en la Galería El Gayo Arte de Madrid; pocos meses después Cómo vivir en sociedad en la Casa de Cultura de Alcobendas. Madrid.      En 1997 se estrenó con Annus Mil en el Centro Cultural de Tetuán de Madrid.      Ha participado en numerosas colectivas entre ellas: en el Ateneo de Málaga, con su obra Vuelo de regreso 2017, Mobiliario de Artista II en el MUPAM de Málaga 2015, Utopías Urbanas en el MUPAM 2014, Este-Oeste en Alhaurín de la Torre 2013, Acciones Postales Propuesta Correos Bibliotecas MPH, CAAC, MNCARS Y MACBA (MAV), en Estampa 2008, Tan Mortals, Tan divines en Casa Elizalde de Barcelona 2006, Artenavas 2005 en Navas del Marqués, Flecha 2005 en Madrid, Marea Negra en Galicia 2003, Señales Cuenca 2002, Voces y Cuerpos femeninos en la Universidad Autónoma de Madrid, 2002, entre otras.      Artista multidisciplinar, ha investigado acerca de la transferencia de imagen y electrografía,  aplicadas a  múltiples soportes, así como también ha escrito algunos textos para diversos catálogos de arte.      Ha participado en mesas redondas e impartido conferencias en ciclos relacionados con “mujer-arte” en Madrid, Barcelona y Málaga. También ha dado conferencias sobre arte contemporáneo en diferentes Instituciones y espacios alternativos.              En constante búsqueda de medios expresivos y su planteamiento conceptual, siempre relacionado con la naturaleza, como origen y modelo de creación, de las  estructuras relacionales, de la unión directa del ser humano con la vida. Sus trabajos de Land-Art son, de alguna manera, la fusión trasladada de todo su trabajo artístico con la naturaleza.

Chema Cobo

Nace en Tarifa (Cádiz) en 1952. A lo largo de su trayectoria no sólo ha vivido en su ciudad natal sino también en Madrid, Nueva York, Chicago, Bruselas y Roma. Actualmente reside en Alhaurín el Grande (Málaga). Cursó estudios de Filosofía en la Universidad Autónoma de Madrid y fue uno de los integrantes de la Nueva Figuración Madrileña.                                                  En 1975 realizó su primera exposición individual en la galería Buades de Madrid. Con la entrada de los años ochenta se aleja de los presupuestos de sus inicios y conecta con movimientos internacionales como el Neoexpresionismo y la Transvanguardia. En 1981 fue artista residente en P.S.1 de Nueva York y participó tanto en la XVI Bienal de Sao Paulo como en el Salón de los 16, en el Museo de Arte contemporáneo de Madrid. En 1982 participó en el Carnegie International de Pittsburgh y un año después es invitado a varias exposiciones en Europa y Estados Unidos, destacando la que llevó por nombre “Recent European paintings” en el Salomon R. Guggenheim de Nueva York. En ese periodo logró por primera vez mostrar su obra en la Galería Zolla Lieberman en Chicago. Los años ochenta siguieron con una serie de muestras individuales en Seattle, Boston, Milán, Roma, Madrid, Madrid, Berna, y Nagoya (Japón). Cabe destacar la realizada en 1987 en The Mezzanine Gallery, perteneciente al Metropolitan Museum of Art de Nueva York, y la primera de sus exposiciones individuales en 1988 en Charles Cowles Gallery, también en Nueva York.                                           En el transcurso de los años noventa siguió exponiendo con sus galerías americanas y fue profesor invitado en la Northwestern University de Chicago, en la School of the Art Institute of Chicago, y en la NY Art School de Nueva York. Realizó numerosas muestras por Europa, destacando en España la que llevó por título “El Laberinto de la Brújula”,desarrollada en 1998 en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla (CAAC) y presentada al año siguiente en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Otra exposición que trascendió a nivel nacional fue “Salta a la vista” que recogía obra sobre papel desde 1974 hasta 2001, sin olvidar todas aquéllas periódicas en su galería de Madrid, la Galería Antonio Machón.                    En el año 2009 expone “Out of Frame” en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC) seguida de un conjunto de exposiciones en galerías y museos que recogían líneas de investigación latentes en sus más de 40 años de trabajo. Recientemente ha expuesto en Barcelona “Nothing to say” en la Galería Miguel Marcos, y también la muestra titulada “Ace in the hole” en la Galería Juan Silió de Santander. Por último, en enero de 2018 estrena la exposición “La vertu tue” realizada específicamente para la Alianza Francesa de Málaga en torno a un tema recurrente en su obra: la revolución francesa. Y en Junio de 2018 inaugura la exposicion “El Clamor de las Moscas” en el Cicus de Sevilla, un recorrido muy personal a traves de su obra sobre papel desde los comienzos hasta ahora. Chema Cobo parte de presupuestos conceptuales y los canaliza a través de la pintura. En paralelo, construye sus libros de aforismos (Amnesia I y II)  con los que nutre su trabajo y enraíza todo su universo de imágenes, pensamientos y frases escritas.

Distinciones:

1979 Beca del Ministerio de Cultura, Madrid.                                                   1980 Beca de la Fundación Juan March, Madrid.                                            1981-82 Beca del Comité Hispano-Norteamericano. Artista residente, en       P.S.1, New York, N.Y.                                                                                                  1994 Premio Andalucía de Artes Plásticas.                                                             2009 Premio de Pintura Francisco de Goya de la Villa de Madrid.

Félix de la Concha

(León1962)

Pintor local o “loco painter” Felix de la Concha siempre pinta del natural, ya en sus arquitecturas, ya en sus retratos. Se sumerge en un intenso análisis y compromiso personal con el sujeto. Invita con su visión a cuestionar lo real a través de las diferentes fases del tiempo. “El logro excepcional de Félix de la Concha es haber revitalizado esta tradición centenaria con una comprensión contemporánea de las posibilidades de la pintura.” Mark Francis, director de la Gagosian Gallery en Londres y ex conservador del Carnegie Museum y del Andy Warhol Museum. (Del texto para la exposición “One a Day”, Carnegie Museum of Art). “Mis composiciones pictóricas se inspiran en el lugar donde vivo. No llego con una idea clara preconcebida.” El adjetivo “local” está aquí vinculado al hecho de pintar siempre del natural y por tanto pintar sólo el entorno del lugar donde se encuentra. En inglés, “local” se escribe igual pero se pronuncia “loco”. Pero local o loco, en este caso da lo mismo, porque este trabajo es el resultado de la auténtica locura de ser un pintor local. Nace en León en 1962. Acabado el bachillerato, a los dieciséis años se traslada a Madrid, donde ingresa en la Facultad de Bellas Artes. No deja de resultar curioso que no se licencie a falta de las asignaturas de Pintura y de Pintura de paisaje, precisamente lo que será su dedicación de manera exclusiva desde 1985, año en que es seleccionado en la Primera Muestra de Arte Joven y su obra se expone en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde recibe el Premio del Público. En 1989 es becado por la Academia de España en Roma. Acabado el período de nueve meses de la residencia, se queda en Italia hasta 1995, año en que se traslada a los Estados Unidos donde continúa gran parte de su trayectoria artística. Sus obras paisajísticas se estructuran frecuentemente en polípticos o series, como en One A Day: 365 Views of the Cathedral of Learning (1999), donde muestra diversos puntos de vista realizados a lo largo de todos los días de un año, o en su proyecto Fallingwater en Perspectiva (2005-2006) en el que traduce a la pintura su contacto durante dos años con este hito arquitectónico, invitado por el Western Pennsylvania Conservancy. Las series de retratos que dedica a diversos colectivos (habitantes de un pueblo, personajes del mundo de la cultura, víctimas del Holocausto…), combinan la pintura, que realiza alla prima (en una única sesión), y el video, que recoge las conversaciones que mantiene con los retratados durante la ejecución de los cuadros. Mostrada su obra ampliamente en España, será en los Estados Unidos donde tenga una presencia constante con exposiciones en instituciones como el Columbus Museum of Art (1998), el Carnegie Museum of Art (1999), el State Museum of Pennsylvannia (2008) y el Hood Museum of Art (2009) entre otras.

Belén Franco

(Madrid)

Exposiciones individuales.                                                                                      2014 Galería Siboney (Santander).                                                                          2012 Galería Félix Gómez (Sevilla)                                                                                    2009 Galería Tercer Espacio (Madrid)                                                                       2007-2009 Itinerancia por CCES Centro América y Colombia del colectivo k.b.zonas                                                                                                                         2006 Feria de Arte Flecha”                                                                                             2005 Galería Juan Amiano (Pamplona)                                                                    2004 Creación, junto a Noni Lazaga, del Colectivo artístico k.b.zonas                  2004 Galería Amparo Gámir (Madrid)                                                                          2001 Galería Campomanes Nueve (Madrid)                                                             2000 Galerie Dialogue (París) / Círculo de Bellas Artes (Madrid)                                  1997 Salas de la Unesco (París), Congreso Internacional sobre psicoanálisis y agresividad humana  Galerie Dialogue (París), Galería Bores y Mallo(Cáceres)                                                                                                               1996 Galería Barcena (Madrid)                                                                          1992,1994 Galería El Caballo de Troya (Madrid)                                           1990,1993 Galería Columela. (Madrid)                                                                   1983 Club Internacional de Prensa

Exposiciones colectivas                                                                                              2016 “Pasiones” – Centro Las Sirenas – Sevilla                                          2015“Laocoonte” en La Imprenta – Sevilla                                                                 2015  “El Tiempo de las Canciones”. Comisario Dis Berlín, Galería my Name´s Lolita Art (Madrid, España)                                                                                   2014 “Rosebud” Comisaria María Escribano Espacio Vuela Pluma (Madrid)           2014 “La bolsa o la vida”, comisario: Pablo Sycet. Casa de Velázquez (Madrid) Fundación Guerrero (Granada)                                                                 2013 Universidad Industrial de Santander (Colombia) Sin Fronteras”       Acción postal Propuesta “Correos” MAV,  Biblioteca MPH (Museo Patio Herreriano de Valladolid)                                                                             Universidad de Magdalena (Colombia) Tratado de Culinaria/ Comisaria Gilma Carreño                                                                                                                  2012 Acción postal Propuesta “Correos” , MAV en la  Biblioteca CAAC.            2011 Acción y exposición Propuesta “Correos” para MAV en la  Biblioteca MNCARS.                                                                                                                          2011 “Laberintos” Galerías Murnau y Felix Gómez ( Sevilla) / “Veinticinco miradas sobre Tintín” Galería José Ramón Ortega, Madrid / Deconstrucción del Guernica Centro Cultural de la Embajada de España en Manila (Filipinas) / Acción postal-Propuesta Correos Biblioteca del MACBA – MAV y AECID / Memoria de un cuadro, Galería Tercer Espacio (Madrid)                             2010 Biblioteca del MNCARS. Acción postal-Propuesta Correos- M Antonia de Castro. MAV y AECID                                                                                                  2010 “Reflejos” con el Colectivo k.b.zonas. Comisaria M Antonia de Castro. (Acciones “Día de los museos” )MAV                                                                           2008-2009 “Suite sweet love, nacimiento del Movimiento Surromántico” del Colectivo k.b.zonas (Itinerante CCES por Centroamérica, Caribe y Colombia)    2008 Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente (Segovia) “El circo en el Arte Español” / Galería Siboney (Santander) “Paisajes imaginarios”              2007 Galería Amparo Gámir (Madrid) “El jardín”                                                2006 Exposición Premio de Artes Plásticas de Valdepeñas (Ciudad Real)/ 2005 Feria de Arte – Arte Navas (Navas del Marqués, Ávila)                                       2004 Galería Estampa (Madrid) “El Circo” / Galería Muelle 27 (Madrid) Muelles/  Itinerante por Instituto Cervantes de Túnez y Argel “Pieza a pieza”                                                                                                                              2003 “Pieza a pieza”, itinerante por Instituto Cervantes de Munich, Atenas, Tetuán, Roma, Istambul, Bucarest y Lisboa                                                             2002 Galería Utopía Parkway (Madrid) Autor-retratos”                                        2001 Galería Guillermo de Osma (Madrid) “Flores, frutas y sueños”/ “Canción de las Figuras” Itinerante por  Instituto Cervantes de Bruselas, París, Roma y Buenos Aires.                                                                                       2000 “C.D//Circulo de BBAA “Arte en crisis”                                                         1999 Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid)  “Canción de las figuras” / Galería Felix Gómez (Sevilla) “Tras Eros”                                         1998 Galería Buades (Madrid) “II Salón Refractario” / Galerie Dialogue (París)                                                                                                                                 1995 Artistes en Père La Chaisse (París)                                                                                1994 Centro Cultural Parque de España ( Rosario, Argentina ) / Galería Seiquer (Madrid)                                                                                                             1993 Museo de Navarra -Seleccionados Festivales de Navarra                           1992  Galería El Caballo de Troya (Madrid) /) / Talleres de Mojácar (Almería) 1988 Galería Estampa (Madrid)                                                                                      1978 Universidad Complutense de Madrid

Carlos Franco

(Madrid,1951)

De formación autodidacta, a principios de los años 70, comienza a exponer en la línea de la Nueva Figuración madrileña, junto a Guillermo Perézcase Villarta y Carlos Alcolea. Sin embargo, en pocos años se distancia del grupo, atraído por la magia, la mitología y el psicoanálisis y comienza a decorar y ambientar distintos espacios escénicos mágicos y carnavalescos, además de diseñar carteles e ilustrar libros. De esta época se conservan las ilustraciones de Sábado Gráfico y los preciosos dibujos y grabados de las falsas dadas de Luis Garcia y Gabriel Moreno, El libro del nomadeo deRamón Mayrarta y la Eneida de Ediciones Turner. Poco después, decorará con pinturas murales, la Real Casa de Panadería de la Plaza Mayor de Madrid. A partir de entonces despegará en su creaciones, su personal elogio a la mitología ; musas y ninfas se asoman a los balcones de las bodas de Cibeles y Acuático, integrándose en la mítica y castiza plaza como habitantes y ¨tipos¨ de la nueva ciudad.Niños panaderos, Proserpina y el miedo a la ignorancia e ignominia en la cariátide lectora, recorren las alegorías de los paños enlazando con el joven Baco, el viejo ermitaño y el majo torero con Saturno, Tritoncillo y Lagunilla; mientras la diosa Abundancia vigila la plaza, San Isidro labrara los campos. Su particular visión artística y su capacidad para aunar lo mágico con lo maravilloso, le consagra en una dilatada trayectoria a nivel nacional e internacional, dejando ver sus creaciones en salas de todo el mundo. Artista asiduo de Arco desde el año 2000, desde 2005 a 2019 formó parte de fabuloso elenco de la Galería Marlborough.

Ignacio Gómez de Liaño

(Madrid, 1946)

Es un escritor, poeta, ensayista, filósofo y traductor. su producción se puede considerar como una referencia cultural dentro del panorama hispano actual.                                                                                                               Una mención especial requiere su amistad con Salvador Dalí.              Licenciado y doctorado en Filosofía y Letras en la Universidad Complutense deMadrid. Profesor de Estéticay Composición en la Escuela Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid (1962-1972).     Profesor de Filosofíay Metodología de las Ciencias Sociales en la Universidad Complutense de Madrid (1975-1997).                                    Profesor visitante en la Universidad de Estudios Extranjeros de Osaka (Japón) (1984-1985). Profesor visitante en la Universidad de Estudios Extranjeros de Pekín (China) (1989-1990)                                                              Su obra abarca diversos campos: filosófico, sociológico y literario. Especialmente interesado en las relaciones entre Oriente y Occidente es autor de una reconocida obra en el campo de la filosofía y el ensayo como por ejemplo El círculo de la sabiduría I y II entre otros.                                     El reino de las luces, Carlos III (2015)El camino de Dalí (diario personal 1978-1989) (2004), El diagrama del primer evangelio(2003), En colaboración con Cavallé Cruz, Mónica y Vélez de Cea, Abraham: Hinduismo y Budismo (1999), Poemas (1989) ,Palabra y terror (1987).                                     Athanasius Kircher: itinerario del éxtasis o las imágenes de un saber universal (1985), El idioma de la imaginación. Ensayos sobre la memoria, la imaginación y el tiempo (1983), Mi tiempo. Escritos de arte y literatura (1983), Nauta y Estela (1980), Giordano Bruno: Mundo, magia, memoria (1973),Poesía experimental (1968)  etc.

María Gómez

(Salamanca, 1953)

Sus primeros estudios artísticos los llevó a cabo en la Escuela de Artes y Oficios de Salamanca. En 1973 inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona y dos años después en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Sus primeras exposiciones fueron en 1977, en la galería Tebas y en la Casa de Velázquez, pero no fue hasta principios de los ochenta cuando se dio a conocer, gracias a su participación en varias exposiciones colectivas. En 1980 obtuvo una beca y estudió grabado con Bruno Müller en París. Realizó varios viajes a Grecia, Egipto e Italia, pero antes, en 1983, había expuesto en la Galería Montenegro, donde repetiría en 1985 y 1987. En 1991 estuvo en Roma con una beca para la Academia de España.                                                                                                En su obra predomina la figura humana y el paisaje, y su plástica deriva del clasicismo. Sus figuras aparecen asociadas a paisajes imaginarios y su gama de colores se mueve entre grises, pardos y azules.                                     Expuso en  numerosas exposiciones individuales y colectivos dentro y fuera del país.

Mari Puri Herrero

(Bilbao, Vizcaya,  1942​) es una pintora y grabadora española. Una de las artistas vivas más renombradas de la escena vasca, se mantiene en activo tras más de cuatro décadas de carrera.                                                            Mari Puri Herrero optó desde el principio por el arte figurativo, delatando deudas con viejos maestros como Goya. Ello la diferencia de la corriente más conocida del arte vasco, marcada por la abstracción y el esquematismo geométrico:lla de Jorge oteiza, Eduardo Chillida, Agustín Ibarrola, Néstor Basterretxea, etc. Por sus figuras reposadas y el colorido suave, se puede emparentar a Herrero con Carmen Laffón, aunque da mayor protagonismo a la figura humana. Sus personajes mofletudos y de rasgos anticlásicos aportan toques humorísticos y ambiguos a un Realismo mágico que permite múltiples lecturas. 

Abuzaydun Hanoos

(Kufa, Irak, 1958)

Pintor, grabador y profesor de nacionalidad española. Estudió Bellas Artes en el Instituto de Bellas Artes de Bagdad (de 1974 a 1979), en 1985 obtuvo la licenciatura en la Universidad Complutense de Madrid y en 1991 el doctorado por la misma universidad.                                                                         En 1977 participa en una exposición colectiva en el Museo Nacional de Arte Moderno de Bagdad, repite en 1979 y 1981, después de exponer por primera vez individualmente en 1978 en el Instituto de Bellas Artes. Entre 1979 y 1981 fue miembro de la Asociación de Artistas Iraquíes y de la Sociedad de Artes Plásticas Iraquíes. Al finalizar los estudios en Bagdad viaja a Roma, Budapest, Turquía y finalmente se establece en Madrid en 1981. Entre 1985 y 1986 obtiene la Mención de Honor Casimiro Sainz, un accésit del Círculo Catalán de Madrid, el premio Villaverde, el segundo premio de la Fundación Plasencia, el primero de la Villa de Parla, el Ford España, el Ron Bacardí, el Adaja de Ávila, el de Valdepeñas, es seleccionado para el Goya de Pintura y logra el BMW.

Jarr

Sus inquietudes vitales le llevan a participar del mundo del arte. En 1990 ingresa en la EAAOO de Valencia y, contemporáneamente, en el Conservatorio de Danza Joan Bta Cabanilles.                                                                 La danza marca una huella indeleble en su carrera y en su ser, pero finalmente será solo una vía de acceso al mundo de las artes plásticas, en donde Jarr comienza a expresarse de forma plena, sin ninguna limitación, ni física ni espiritual.                                                                                                     Una continua evolución y experimentación queda plasmada claramente en su obra. La materia de un principio le conduce a la no-materia en su transición hacia las nuevas tecnologías y el arte objetual, sin dejar de tener una entidad artística propia: JARR.

 

Kazha Imura

(Osaka 1980)

En el 2000 se graduó en la Facultad de UENO Gakuen-Especialidad de instrumento Musical: Flauta. Empezó con fotografía con 16 años y con 17 años publicó una revista Paper para presentar sus obras fotográficas y escritos en estilo de fotocopia de color. En 2002 participa en Tokyo en “寿限無-cloning“, exposición colectiva en Tomio Koyama Gallery; en 2004 expone “Super Multiple Art Project” en Contemporary Art Factory, así como exposición individual en Tokinowasuremono Gallery de Tokyo y participa en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Japón.

Jose Joven

(Sabiñan, Zaragoza,1959)

http://www.josejoven.es

Arminda Lafuente

(Legazpi, Guipuzcoa,  1962)

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco 1985, en 1988 Estudió el posgrado en la Academia de Bellas Artes de Ljuibljana, Eslovenia. 2010   Diploma de Estudios Avanzados por la Universidad de Castilla-La Mancha.                                                                                                                  Participa numerosas exposiciones desde 2008, últimos exposiciones son siguientes:      2016  “Premio Internacional de Artes Plasticas Caja de Extremadura”.   XXIII Certamen de Dibujo Gregorio Prieto, Centro Cultural Moncloa.  Sala de Exposiciones del Museo de Cuenca.                                        2015  76 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas.   “La mano en el pecho del Greco, Galería Toro, Granada.   “Exposición Nacional de Pintura Contemporánea, Pola de Siero.   XXIII Exposición de Dibujo, Museo Fundación Gregorio Prieto.   “Obra Abierta 2015, Centro Cultural Las Claras de Plasencia.                                                                                                  2014  75 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas.  Exposición individual tejidos- escritossala Matías Moreno de Toledo.  XLIV Premio de Pintura Ciudad de Alcalá, Casa de la Entrevista de Alcalá de Henares.  XXIV Certamen Artes Plásticas UNED, Sala de exposiciones CCM,Cuenca.  XXXVII Certamen Nacional de Pintura de Mora, Toledo.   “La mano en el pecho del Greco, Tolmo Museum, Toledo.  Salas Provinciales de Exposición Diputación Provincial de Jaen.

PREMIOS:
2016 PremioXXVI Certamen de Artes Plásticas de la UNED
2013Premio Diputación de Ciudad Real, XVII Certamen Internacional de Pintura, Alcázar de San Juan.  Mención Especial, XLIV Premio Ciudad de Alcalá de Pintura, Alcalá de Henares.
2012Premio Adquisición en el Certamen de Artes plásticas y Fotografía 2012, Diputación de Alicante.

OBRAS EN MUSEOS Y COLECCIONES :
Biblioteca Nacional, Diputación de Alicante, Diputación de Ciudad Real , Museo Municipal de Alcázar de San Juan, Tolmo Museum de Toledo, Colección UNED de Madrid.

Eva Lootz

Eva Lootz nace en Viena (Austria) donde cursa estudios de Filosofía y Artes Plásticas y se licencia en Dirección de Cine y Televisión. A finales de los sesenta se traslada a España y a partir de 1973 comienza su actividad expositiva.                                                                                                                                     Partiendo de planteamientos anti-expresivos y procesuales, tendentes a una ampliación del concepto del arte, evoluciona hacia la creación de espacios intersensoriales y envolventes o, en términos de la autora, hacia un “arte continuo”. Su obra, en la que existe un marcado interés por la interacción entre materia y lenguaje, se caracteriza desde el inicio por la utilización de registros heterogéneos.                                                                                                         Entre sus exposiciones cabe destacar Metal (Fundación Valdecilla, Madrid 1983), Noche, decían (Sala Montcada, Barcelona 1987), Alfombra escrita (Galería Barbara Farber, Amsterdam1990), Eva Lootz, (David Beitzel Gallery, Nueva York 1990), Arenas Giróvagas (Tinglado Dos,Tarragona 1991), Escultura y dibujos, (Galería Juana de Aizpuru, Madrid 1992) A Farewell to Isaac Newton (South London Gallery, Londres 1994), La madre se agita(Almudí, Valencia 1997), Eva Lootz  (Boras Konstmuseum, Boras 1997, Suecia), (Lunds Konsthall, Lund 1998, Suecia), Brandts Klaedefabrik, Odense 1998, Dinamarca) Ich und Du (Galerie Adriana Schmidt, Colonia 2000), Derivas (Galería Quadrado Azul, Oporto 2001), Berggasse 19 (Galería Estiarte, Madrid 2001),  La lengua de los pájaros (Palacio de Cristal del Retiro, Museo Nacional Centro de Arte Reina  Sofía, Madrid 2002), Sedimentacions(Fundació Sa Nostra Palma, Ibiza, Mahón, 2004), Paisajes hidráulicos (Galería Trinta, Santiago de Compostela, 2007), Mundo, Seco, Benamor, Amarga (Sala Verónicas, Murcia 2009), Hidrotopías la escritura del agua. Fundació Suñol. (Barcelona 2009), Viajes de Agua. (Casa Encendida, Madrid, 2009), Redes de agua (Galería ArtNueve, Murcia 2010) y A la izquierda del padre (Fundación Casa de la Moneda, Madrid, 2010) Pensar dibujando/ Drawing as Thought(Skissernas Museum, Lund, Suecia, 2011), Dis- cursos de agua (CAB de Burgos, 2012), El agua no haciendo(Palacete Embarcadera Santander, 2015) La canción de la tierra (Tabacalera, Madrid 2016), Cut Through the Fog(CGAC, Santiago de Compostela, 2016)    Ha realizado intervenciones permanentes en el espacio público como NO – MA -DE – JA – DO  en la isla de la Cartuja en la Expo 92, LA MANO DE LINNEO en Bohuslän, Suecia 1996, ENDLESS FLOW, Silkeborg Dinamarca 2002, el PROYECTO RECOLETOS (Iluminación de Navidad del  Paseo de Recoletos, Madrid, 2004) y como intervención efímera: EN TORNO A LO TRANSPARENTE (El Corte Inglés, Calle Serrano, Madrid, febrero 2008). En 2008, en el marco de la Expo08 ha construido LA OREJA  PARLANTE, pieza  situada en la orilla derecha del Ebro en Zaragoza.                                                    Fue profesora en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca en los primeros ocho años después de su fundación y ha impartido cursos y conferencias en Facultades de BB.AA. de España, Suecia y EE.UU. y Chile. Ha dado cursos de verano y talleres en la Universidad Rey Juan Carlos(julio 2005), Museo Thyssen Bornemisza (enero 2006), Fundación Amigos del Museo del Prado (junio 2009), UIMP Santander (julio 2015).                                                            Obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1994, en 2009 el Premio Tomás Francisco Prieto de la Real Casa de la Moneda, en 2010 el Premio MAV de las Mujeres en las Artes Visuales, en 2013 el Premio de la Fundación Arte y Mecenazgo y en 2014 el Premio José González de la Peña, Barón de Forna, concedido por la Real  Academia de San Fernando.

http://www.evalootz.net

 

 

 Carlos Muñiz

(Madrid, 1962)

Su carrera profesional y artística se basa en la certeza de crear escultóricos objetos artísticos, que en ocasiones pueden ser portables. Se formó en arte visuales cinematográficas, además de en la Escuela de Joyería de Madrid. Los estudios de gemología, le permitieron familiarizarse con la naturaleza de los materiales, completando su bagaje plástico en países como Egipto e Israel. Su dilatada trayectoria se ha impregnado de referencias literarias y viajeras, usando como pretexto para sus reflexiones estéticas un lenguaje sensible capaz de transmitir mensajes multidisciplinares y plurales.            Le interesa la alquimia de los metales, la trasformación interior, el Wabi-Sabi, la carga emocional de la que pueden impregnarse los objetos, los efectos de la luz al incidir sobre los materiales, el espacio y la superficie sobre la que se observan y cómo se manifiesta en ellos el paso del tiempo. Como artista, se siente heredero de la antigua tradición del artesano-orfebre, enlazando lo ancestral del trabajo de metalwork y su componente místico, ritual y casi mágico con la fugaz contemporaneidad de lo escultórico. Lo permeable, junto a lo inmutable en un volumen de patinado y lírico soporte metálico.                                                                                                Lo cosmopolita y transcultural de sus creaciones le ha permitido exponer varias veces en Tokyo, lugar con el que se siente tradicional y culturalmente hermanado. Un elenco de sus trabajos monográficos puede visionarse en el espacio multidisciplinar de Venecianastewenson: http://www.venecianastewenson.com  Sus obras se construyen a medida que se crean: el artífice dilata el proceso hacia la libre y natural concreción de las formas.

Osamu Kuroda

(Gunma, 1931)

 Kuroda tiene varias máscaras, una es la del performer del arte de HOITO, creado por él, la otra es la de pintor, cuya obra tiene estilo satírico y surrealista, la última es la de persona sabia que sin embargo actúa como inculto sin estudios. Estas tres máscaras  potencian su identidad y atracción. Con su lenguaje calmado y su narración tan serena, y la bella voz que posee, hablar con él es como oír un delicioso poema. Como HOKAIBITO (un mendigo que pide cosas a cambio de hacer algo, palabra utilizada en la literatura japonesa antigua), o MAREBITO (la persona que viene de fuera, el visitante, palabra también utilizada antiguamente), viene de más allá del horizonte, convirtiéndose en un personaje; MAROUDO, igual que MAREBITO, es como un misionero de la cultura autóctona que está casi desaparecida.                                                                                                                         Sus manos son tan finas y suaves, que parece que nunca hayan sostenido más que un pincel. En su movimiento natural asoma una belleza de la autenticidad como resultado del trabajo como  bailador.                                              Hoy Kuroda es conocido internacionalmente por su performance vanguardista japonesa, que ha realizado más de 30 países, y están haciendo unpelícula biográfica sobre su vida y obra.

Fumiko Negishi

(Tokyo,1970)

 Tras graduarse en la Universidad de Joshibijyutu donde obtiene el primer premio de su graduación, se traslada a Madrid al taller de grabado de la Universidad Complutense. Los años siguientes participa al taller de Arteleku de San Sebastían y obtiene la beca de pintura Mojácar en Almería. Compatibiliza desde entonces las exposiciones monográficas en reconocidas salas y museos nacionales con premios como Calcografía Nacional, Novel y Honorífico. También exhibe sus creaciones en su ciudad natal:     Se habla de sus obras como realidades misteriosas, ensoñaciones o paisajes soñados, angustias pretéritas, nubes de técnicas mixtas, collages de tesoros ambiguos trasformados y perturbados.

http://www.venecianastewenson.com/Fumiko Negishi

Cruz Novillo

(Cuenca, 1936)

Cruz Novillo se inició en la pintura en su ciudad natal en 1950, y en 1958 se trasladó a Madrid.                                                                                                       Es el autor de muchos logotipos, entre ellos el del periódico El Mundo, el puño y la rosa del PSOE, los billetes del Banco de España, los de la cadena COPE, Correos, Endesa, Banco Pastor, Repsol, Fundación ONCE, Diario 16, Antena 3 Radio y el primer logotipo de Antena 3 TV. El Economista, Renfe, el Cuerpo Nacional de Policía, Tesoro Públicoy el logo cultural de la Noche en Blanco de Madrid, y es coautor del escudo y la bandera de la Comunidad de Madrid, junto a Santiago Amón. Su estudio ha ganado el concurso para la nueva identidad institucional del Gobierno de España. También ha realizado numerosas carteles de películas. En su faceta de escultor, ha participado en la Bienal de Sao Paulo, Feria Mundial de Nueva York y en las Ferias de Arte FIAC de París, Bassel Art, Art Cologne y en ARCO de forma prácticamente ininterrumpida desde 1985, casi siempre con la galerista Evelyn Botella.                                                                                                                  En noviembre de 2006 entró a formar parte de la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Junko Okawara

(Saitama, 1939)

En 1958, entró en el grupo ARARAGI, que editaba la  revista de Tankas, la más importante de su época,.                                                                                     1991 le nombraron un miembro de la organización de ARARAGI. 1997 cierre de ARARAGI.   Ahora es el presidente de TANKA SIGLO XXI (una revista sucesora  de ARARAGI).                                                                                         Libros escritos:Corriente Rápida(nominado para el premio de GENDAI-KAJIN-KYOUKAI),la montaña de verano, huevo de truchasagikubi (Premio de la Asociación de Poetas de Saitama), La flor de trotonia, Día de invierno, Sombra de primavera, El agua del cielo (Premio del periódico Tanka),Bajo la lluvia (Premio de Kaiko Shimaki),La forma del cielo, Atravesando el tiempo y ahora”…

Poesía / Tanka                                                                                                                       El tanka es un tipo de poesía tradicional japonesa de hace 1400 años. Consta de cinco versos de 5-7-5-7-7 sílabas.                                                                              En la exposición del Kimono-Joya, Junko Okawara presenta un poema para cada artista que participa en ella. También cabe la posibilidad de proponer una actuación suya en directo, hacer una performance escribiendo con pincel y tinta china sobre la pared blanca su poesías /Tankas.

Tanka:

  • 目の向ふ寒の色暖の色ここに見る言葉のいらぬ世界思ふなり                             A través de mi ojos, veo el color del frío y el calor, que me trasportan a un mundo que no necesita palabras.
  • 連想はそのままここに年輪があると思ひてしばしをりたり                           Aquí contemplo imágenes grabados, como los anillo de un tronco viejo.
  • 色を呼ぶ光を遠く思ひしか暁方の時をただ待つ                                                  Estoy esperando un amanecer, y estoy esperando la luz que ilumina los colores.
  • 暗黒ありてその対極に明かりありと思考もここに塊とし                               Hay oscuridad y su opuesto la claridad, y esta mi forma.
  • 葉の裏に映るは蝶の影なりしか大きはちすのみどりと共に                         ¿La sombra que se mueve detrás de la hoja, será la sombra de la mariposa?
  • ここに一つの宇宙を見ていたりけり青き光とその混濁も.                              Hay un universo, con luz azul y sus sombras.
  • 歳かさねてここにこの今抱くなり根源をつつむ体験のこと                          Me rodean las experiencias, eso es lo que soy, ahora.
  • 明よりも暗に心はまさるかと生きてのことをこの色に知りき.            ¿Ganará la claridad a la oscuridad? A través de esa dualidad me siento vivo.
  • 無は無なりかかることにも無頓着にただありきたりきその無を知らず Nada es nada, ni siquiera sé lo que es esa nada.
  • 日々はここに自然と共なる人々にいく世変わるなし月の光さへLa luz de la luna que iluminaba a la gente que vivía con la naturaleza, ahora los ilumina con la misma luz que entonces.
  • 一人ならずと思ふこころが色と光とその沈黙をここに見るのみVeo silencio, luz y color. No estoy solo.

Manolo Quejido

(Sevilla, 1946)

 1964: Se traslada a vivir a Madrid y empieza a pintar.                                                  Su trabajo inicial se sitúa en el ámbito del experimentalismo artístico ligado al compromiso político propio de la escena artística española de los años 70, formando en esta época parte del grupo de artistas que exponen en la galería Buades de Madrid. Quejido se preocupa por la poesía concreta y la necesidad de reflexionar sobre la función social del arte. En este primer periodo de su trayectoria se registra una clara huella del grupo artístico Equipo 57 y siguiendo su ejemplo desarrollará obra en el marco del Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid.                                                                              El quehacer artístico de Quejido posteriormente se sitúa entre el Pop Art y la pintura neoexpresionista. Recibe sobre todo la influencia del pop inglés, de la mano de artistas como Ronald Kitaj o Blake. Su obra se caracteriza por un colorido vivo y desenfadado, cargado de una alegría vital despreocupada y festiva. El suyo es un arte de pincelada vibrante. En la obra de Quejido hay una reacción frente al oscurantismo y la gravedad existencialista propia del anterior informalismo. Su actitud es irónica y provocadora.                                                                                                                  Participa numerosas exposiciones nacionales e internacionales y sus obras están en importantísimas colecciones de arte.

Guillermo Pérez Villalta

(Tarifa, 1948)

 Se dio a conocer como pintor a comienzos de la década de los setenta, y desde entonces ha practicado y mantenido una concepción de la pintura ajena a todas las convenciones del arte vanguardista propio del siglo XX, al considerar que todas las manifestaciones plásticas e intelectuales contemporáneas caen en el aburrimiento, la pedantería o la frivolidad. Su virtuosismo técnico, manifiesto en la riqueza de su estilo narrativo y en las estructuras arquitectónicas de sus composiciones, busca en sus lienzos el sosiego, el equilibrio y la armonía, reflejados en los personajes y motivos característicos de su singular imaginería (figuras mitológicas, elementos de la naturaleza, formas geométricas). Junto a ello, muestra una constante preocupación por conjugar y fusionar elementos orientales y occidentales, u otros extremos tales como los motivos cristianos y los motivos dionisíacos. También está presente en su pintura el tema religioso, que sacraliza en sus telas cualquier rostro o figura.

Santiago Serrano

(Villacañas, Toledo,1942)

 Pintor referente ineludible de la abstracción en España, Serrano ha desarrollado una intensa labor docente como profesor de pintura en la Universidad de Salamanca y ha impartido numerosos talleres desde que en 1986 participó en la dirección del Primer Taller de Arte Experimental del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su obra está representada en numerosas colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: Museo Nacional Centro de arte Reina Sofía, Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, Fundación Juan March, Colección Banco de España, Colección Argentaria, Museo de Arte Contemporáneo de Nimes, Marugame Hirai Museum de Kagawa (Japón), etc

Pablo Sycet

 

1953. Nace en Gibraleón (Huelva).   1980. Beca del Ministerio de Cultura 1985. Beca para Nueva York del Comité Conjunto Hispano Norteamericano para la Cooperación Cultural y Educativa.

OBRAS EN MUSEOS Y COLECCIONES PÚBLICAS:                                                     Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Museo Vázquez Díaz (Nerva/Huelva), Diputación Provincial de Alicante, Fundación Gerardo Rueda (Madrid), Ayuntamiento de Granada, Diputación Provincial de Huelva, Banco Exterior de España, Universidad Rey Juan Carlos (Madrid), Centro Olontense de Arte Contemporáneo (Gibraleón/Huelva), Diputación Provincial de Granada, Museo Zabaleta (Quesada/Jaén), Caja de Ahorros de la Inmaculada (Zaragoza), Museo Nacional Postal y Filatélico, (Madrid), Ayuntamiento de Huelva, The Hispanic Society of América (Nueva York), Escuela de Hacienda Pública (Madrid), Fundación La General (Granada), Museo de los Ángeles (Turégano/Segovia), The Paul Keppler Library, Queens University (Nueva York), Vychodoslovenska Galeria (Kosice/Eslovaquia), Colección Visible de Arte Contemporáneo (Madrid), y Colecció Testimoni de la Caixa (Barcelona).

SEMBLANZA:                                                                                                               Pablo Sycet es uno de los pintores andaluces imprescindibles de su generación -la de los años 80-, posiblemente la última generación de artistas para los que la pintura ocupa un papel central.                                                                                         Sin perder de vista en ningún momento esa centralidad de la pintura, a lo largo de tres décadas continuada de trabajo, la labor creativa de Pablo Sycet se ha ido desplegando en un amplio abanico de campos complementarios: la edición, la tipografía, el diseño gráfico, la fundación de galerías de arte, la organización de exposiciones, las letras de canciones, la producción musical…              En otro orden de cosas, Pablo Sycet ha sido un puente fundamental tanto desde el punto de vista geográfico como desde el punto de vista generacional. Geográficamente hablando, por él han circulado buena parte de los caminos que han unido Andalucía y Madrid durante estas décadas. Aunque su residencia habitual ha sido madrileña, nunca ha renunciado a sus vínculos andaluces y especialmente granadinos, muy al contrario, siempre ha intentado reinvertir allí, en Andalucía, metafóricamente hablando, y a veces incluso monetariamente, lo ganado y aprendido en Madrid. Desde el punto de vista generacional, también ha sido un puente generoso y desprendido entre los artistas de las generaciones anteriores a la suya -de Gordillo a Guerrero- y las posteriores, incluidos los jovencísimos artistas emergentes de este mismo momento.

Jordi Texidor

(Valencia, 1941)

Formado artísticamente entre 1959 y 1964 en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.                                                                                          En 1966 realizó su primera muestra individual en la Sala Mateu de Valencia y fue nombrado, junto con José María Yturralde, conservador del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, donde trabajó los veranos de 1966 y 1967 y donde conoció a la generación del llamado “Grupo de Cuenca”, integrado, entre otros, por Gustavo Torner, Gerardo Rueda y Fernando Zóbel. También forma parte del grupo Nueva Generación. Por estos años conoce al grupo Supports-surfaces, promovido por teóricos y pintores franceses.                         En 1973 viaja por primera vez a Nueva York, mostrando su interés por Mark Rothko, Barnett Newman y Ad Reinhradt. En 1975 entra en contacto con el grupo de la revista Trama, que representa la tendencia Supports-surfaces en España. Participa en la exposición 10 Abstractos en la galería Buades de Madrid. En 1976 participa en la Bienal de Venecia en la muestra España: Vanguardia artística y realidad social. 1936-1976. En 1979 es becado por la Fundación Juan March y se instala en Nueva York hasta 1981. En ese tiempo es seleccionado por Margit Rowell para participar en la exposición New Images from Spain, en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. En 1982 se instala en Madrid. En 1997 se le hace una exposición retrospectiva en el Instituto Valenciano de Arte Moderno que se cerraba en una gran sala con dieciséis cuadros negros. En el año 2000 es nombrado Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

Claudio Zirotti

(Modena – Italia – 1952)

Diplomado en el Liceo Artístico, Roma.
Diplomado en la Escuela de Publicidad (Enalc), Roma.
Escuela libre del desnudo, Roma.
ISIA, (Istituto Superiore di industrie artistiche) semiótica y ergonomia. Roma En los años 70 trabaja con Federico Fellini, en el periódico satírico romano “Marc Aurelio” como art director. Colabora con el pintor Umberto Casotti y descubre su pasión por el “ART BRUT”. Colabora con el pintor y publicista Ercole Brini en el diseño de carteles cinematográficos. En 1975 se traslada a Brasil como art director de la mejor agencia publicitaria de Goiânia “ Legenda”, donde obtiene numerosos premios y reconocimientos por su creatividad. Aquí conoce a los pintores más significativos y vanguardistas de la época: Siron Franco, Roos, Cléber Gouvêa, Poteiro…, con los que comparte durante más de 5 años, exposiciones, experiencias, pinturas, ideas. En Brasil desarrolla una pintura diferente, espontánea y de gran fuerza expresiva, que marcará su base y autenticidad. Entre 1980 y 1989, entre Italia y Brasil, continúa su labor pictórica y su desarrollo como art director publicitario, (Río de Janeiro, Modena y Roma). Llega a Valencia en 1989, como socio de una de las más grandes agencias de publicidad de la ciudad (Dimarco), y como director creativo-ejecutivo de la misma. Con su equipo realizará grandes y reconocidas campañas publicitarias nacionales e internacionales. Todo esto continuando con su labor artística, adquiriendo tal fuerza, que se dedicará única y exclusivamente, de forma definitiva al arte pictórica, hasta la fecha.